작가노트

“평범한 일상과 주변의 기물, 정물을 이미지화하여 삶의 한 정경을 화면상에 나타냈다. 동네 풍경을 그린 작품들은 실내 정경의 외연화라고 할 수 있다.
세월성과 생의 다정다감을 표현한다. 계속 일관화 해온 자연과 ‘생의 하모니’라는 명제는 변함없지만 화면상에 좀 더 여백을 많이 하고 상징성을 높여 응축된 시처럼 마음을 표현하여 같이 느껴 보려한다.
특히 빛에 의해 일어나는 서정성에 주력하였는데 자연 그대로의 빛이 아닌 새롭게 해석한 추상적인 빛의 공간을 표현했다.”-

"한 송이 꽃이 피어나기 위한 수많은 과정처럼 촛불에 얹혀있는 여러 이야기들, 그 소중함을 담아 고요 속의 미묘한 움직임을 하나의 정화된 모습으로 표현하고 싶다."

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작가 평론

일상적인 실내공간이라면 바닥과 벽 천장 문 따위가 있기 마련이고, 정물은 상하전후좌우라는 존재방식이 정해져 있다는 것이 상식이다. 그런데 그의 작품에서는 이와 같은 실내의 조건 및 사물의 존재방식에 대한 구속력도 없고 소재 또한 자유롭게 배치된다. 그러고 보면 소재들이 화면에 거의 여백을 허용하지 않고 있음을 깨닫게 된다. 그렇다고 소재들이 밀집한 상태도 아니다. 이런 소재 배치 또는 구성은 확실히 일반성을 벗어난 새로운 시도라고 할 수 있다.

그림의 소재인 사물들은 대체적으로 형태가 명확하지 않다. 소재에 따라서는 비교적 구체적으로 묘사되는 경우도 없지 않으나 대체로 표현주의적인 성향이 짙은 이미지로 처리된다. 어떤 부분에서는 형태가 지워지기도 한다. 그러고 보면 소재를 둘러싸고 있는 공간, 즉 배경과 선명히 구분되지 않는다. 소재와 배경이 서로 맞물려 들어가는 까닭이다. 서로의 영역을 침범함으로써 소재와 배경이 일체가 되는 형국이다. 그런데다가 배경은 현실적인 공간감이 없다. 실내라는 약속된 공간이 보이지 않는 것이다. 소재를 감싸는 배경은 차라리 무한한 우주적인 이미지와 상통한다고 볼 수 있다. 비표현적인 공간이면서도 비어 있는 공백이 아니라, 우주처럼 별을 포용하는, 살아 움직이는 공간을 연상시키는 것이다. 어쩌면 소재들이 일정한 조형적인 약속이 없이 자유롭게 존재할 수 있는 것도 끝없이 확장되는 우주공간의 이미지를 도입한 결과가 아닐까.

이와 같은 공간개념을 배경으로 하는 소재들의 형태는 단순화되거나 부분적인 생략 등의 기법으로 거칠게 다루어진다. 아무리 예쁘고 반듯하게 보이는 소재일지라도 구체적인 형태를 잃고 만다. 다만 빠르게 전개되는 붓질과 물감의 거친 질감으로 요약되는 표현주의적인 이미지가 오히려 형태미를 약화시키는 듯싶은 인상이다. 이로써 알 수 있듯이 사물의 형태묘사 그 자체에 큰 의미를 두지 않는다. 그렇다고 해서 그가 사물 고유의 형태에서 느끼는 시각적인 아름다움을 외면하는 것은 아니다. 다만 그는 현실적인 아름다움과 회화적인 아름다움, 즉 자연미와 조형적인 해석이 가미된 인위적인 미가 어떻게 다른지 확인시키려는 입장처럼 보인다.

그의 작품에서 소재가 놓이는 방식에는 어떤 일정한 법칙이 존재하지 않는다. 오히려 일반적인 정물화나 실내정경에서 적용되는 구도 및 구성에서 나타나는 질서를 무시하는 듯싶다. 그리하여 작품에 따라서는 전혀 연관성도 없고 어울리지도 않는 소재들이 아무렇게나 던져져 있다는 느낌이 들 정도이다. 하지만 이상한 일은 일정한 존재방식이 적용되지 않는 데도 불협화음을 만들어내지 않는다. 왜 그럴까. 그 이유는 소재 하나 하나가 가지고 있는 고유의 형태미, 즉 독립적인 존재성을 허용하지 않기 때문이다. 앞에서 언급했듯이 형태를 불명확하게 처리함으로써 소재의 존재감을 약화시키는 것이다.

어찌 보면 그의 작업은 옛 유물 발굴현장을 연상시킨다. 오랜 세월 흙에 묻혀 있다가 천천히 그 모양을 드러내는 유물은 흙과 일체가 되어 있다. 흙이 감싸고 있는 그 상황은 흙과의 한 몸처럼 보인다. 실제로 유물은 결과적으로 흙으로 되돌려진다는 점에서도 한 몸일 수밖에 없다. 이렇듯이 그의 작업은 소재와 배경을 일치시킴으로써 일상적인 공간감을 떠나 무중력 상태의 우주를 자유로이 유영하는 듯싶다.

접시를 캔버스의 이미지로 대체하는 작품 역시 이와 다르지 않다. 그림 속의 접시와 그 접시 속의 그림이라는 중층의 공간개념을 가지고 있는 작품은 그 발상이 특이하다. 그런데 이처럼 접시 그림에서도 소재와 배경은 서로 유리되지 않고 일체가 된다. 물론 소품의 경우에는 일반적인 정물의 형식을 따랐다. 소품에서는 주로 꽃을 소재로 다룸으로써 장식적인 아름다움을 겨냥하고 있다. 이에 반해 캔버스가 커지면 다양한 소재들이 어딘가에 놓여 있다는 의식에서 벗어나 스스로 자유롭게 공간을 유영한다. 둥근 형태의 접시 모양은 그 자체가 소우주를 연상시키는 것도 우연은 아니다. 접시라는 특정의 이미지, 그 틀을 깨고 궁륭의 이미지에 근접하는 것이다.

작품에 따라서는 일반적인 정물의 구성을 수용하는 경우도 있다. 그렇더라도 탁자 또는 바닥에 정물이 놓이는 방식과는 다른 공간 구성을 지향한다. 그래서 어떤 형식이 되더라도 그의 작품은 그 자신만의 독특한 이미지로 다가온다. 이는 개별적인 조형언어 및 어법을 확립했음을 의미한다. 서두에서 말했듯이 어디에서나 작품을 보는 순간 그 작가의 이름을 떠올리게 되는 것으로써 개별적인 형식미가 구현되는 것이다. 그가 일관되게 추구해온 조형언어 및 조형어법은 그 어떤 소재 및 구성의 작품일지라도 그 자신만의 형식미로 변환하는 힘과 설득력을 지니게 된 것이다.---(중략)

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